En The Gamer Dad’s Tribune lo tenemos claro: los videojuegos son arte. Como el cine, la literatura o la música, combinan narrativa, estética y emociones en una forma de expresión única. Pero, como en cualquier industria, el arte a menudo se ve amenazado por los intereses económicos. No es que ganar dinero esté mal, al fin y al cabo, sin rentabilidad no hay industria. El problema viene cuando la creatividad deja de ser la prioridad y todo se reduce a maximizar beneficios, exprimiendo al jugador hasta la última moneda.

El choque entre creatividad y ejecutivos de corbata

La industria del videojuego ha crecido tanto que ya no son solo desarrolladores y diseñadores los que toman decisiones. Ahora los despachos están llenos de ejecutivos que antes vendían hamburguesas o tarjetas de crédito y que ven el videojuego como otro producto más que rentabilizar al máximo. ¿Que una saga vende millones? Pues a sacar entregas anuales, a llenarlas de micropagos y a lanzar productos sin pulir si hace falta, que ya lo arreglaremos con parches.

Esto nos ha llevado a ver sagas legendarias perder su esencia, estudios icónicos cerrados porque “no eran rentables” y proyectos creativos transformados en productos genéricos diseñados para agradar a inversores antes que a jugadores. Las decisiones ya no se toman en los escritorios donde se diseña un juego, sino en las salas de reuniones donde lo único que importa es el retorno de inversión.

Los últimos bastiones del videojuego como arte

A pesar de todo, aún quedan creadores que consiguen mantener el espíritu artístico del medio. Hideo Kojima, por ejemplo, hace lo que quiere. Es un autor dentro de la industria del videojuego, con su propio sello, sus ideas y su visión. Puede gustar más o menos, pero lo que hace es inconfundible.

Otro caso es el de Josef Fares, que en un mundo dominado por el multijugador online insiste en crear experiencias cooperativas con alma. Su filosofía de ofrecer Friend Pass para que un amigo pueda jugar gratis es un gesto que va contra la tendencia del mercado, pero que refuerza su visión de los videojuegos como experiencias para compartir.

Son excepciones, pero necesarias. Demuestran que todavía es posible crear videojuegos con personalidad y propósito sin que las métricas de engagement dicten cada decisión.

El refugio de la creatividad, los indies

Si hay un espacio donde el arte sigue siendo el motor principal, es el de los videojuegos indie. Allí nacen las ideas más frescas, las historias más arriesgadas y los estilos visuales más impactantes. No tienen el presupuesto de las grandes producciones, pero sí la libertad de hacer lo que quieren sin la sombra de los inversores exigiendo un 300% de beneficio en skins.

El éxito de muchos títulos indie demuestra que los jugadores siguen valorando las experiencias genuinas. Juegos como Hollow Knight, Hades o Celeste han dejado claro que la creatividad sigue siendo un valor importante y que hay una audiencia dispuesta a apoyar proyectos con alma.

El equilibrio entre arte e industria

Nadie dice que los videojuegos deban dejar de ser un negocio, pero tampoco deberían ser solo un negocio. La rentabilidad es importante, pero no debería venir a costa de la creatividad, la innovación y el respeto por los jugadores. Grandes sagas nacieron de mentes apasionadas, no de comités financieros, y es ahí donde la industria debería mirar si quiere recuperar su esencia.

Esperemos que, en el futuro, los grandes estudios vuelvan a levantar la bandera del arte, recordando que los videojuegos son algo más que productos: son experiencias, emociones y cultura. Mientras tanto, seguiremos celebrando a quienes aún creen en el videojuego como una forma de expresión, no solo como una máquina de hacer dinero.